España, tan dada a fastuosos funerales, acompañados de fanfarria y batahola, ha dejado pasar la ocasión, ante la pérdida de un gran hombre y una obra importante para la cultura en lengua española. El pasado 3 de abril, en Madrid, donde residió, fallecía el gran hispanista y poeta rumano/español Darie Novaceanu.

Alto, robusto, taciturno, un corpachón para un manojo de silencios; misterioso, senti-mental, intimista, solitario, serio hasta que le afloraba la sonrisa y se hacía campechano. Leo, una y otra vez, sus versos de Estado del tiempo, y me reencuentro con el ser exis-tencial, pegado a su infancia, a la tierra de su adolescencia, a la emoción, a su poesía de plata fulgente, que el tiempo oscurece pero no sepulta.

Darie Novaceanu, (Crasna, Oltenia, 1937-Madrid 20218), licenciado por la Universidad de Bucarest, dirigió el periódico Adevarul, embajador de Rumanía en España, 1991-97. Fundó el Instituto Rumano de Cultura. Periodista, profesor, gestor cultural y excelente introductor de la literaria rumana en España y de la iberoamericana en Rumanía.

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ANGEL CABRERA

C. C. MONCLOA-ARAVACA, Plaza de Moncloa, 1. Madrid

 

Nacido en la cordobesa Villa del Rio, patria chica de los artistas Pedro Bueno y Tomás Moyano, al influjo de los cuales, Ángel Cabrera, hizo germinar su innato don para el dibujo, que cultivó y desarrolló tempranamente en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba, para en 1959, ingresar en la Escuela Superior de Santa Isabel de Hungría sevillana.

Esta muestra, comisariada por M. Ruiz Berrio, recoge obra de dos periodos diferentes del iter artístico del pintor:

Una primera, que descubre a un “pintor decidido a ser continuador de la tradición ascética de la mejor pintura realista española, que confería a lo real una categoría suprema”, según lo define Francisco Zueras en el catálogo de la exposición. Y es que, en efecto, las composiciones de Ángel Cabrera, son conformes al paradigma del realismo español, que tiene, sobre todo en los bodegones, a Sánchez Cotán como referente, con sus connotaciones tenebristas y el empleo artificioso de la luz dentro del espacio plástico. 

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Tomás Paredes

Presidente de AICA Spain

 

El pasado 6 de marzo, en el CPS de Lisboa, fue presentado el Catálogo Razonado de Obra Múltiple de Cruzeiro Seixas, en un acto presidido por el Excmo. Sr. Dr. Marcelo Rebelo de Sousa, Presidente de la República de Portugal, e integrado por Cruzeiro Seixas, Antonio Prates, María Joao Fernández y Tomás Paredes. Publicamos la intervención de Tomás Paredes.

Portugal é o segredo mais fascinante da Europa. E se Portugal é mágico, porque não o ser Cruzeiro Seixas, tão genuinamente português! Portugal, na era moderna, foi situado no mundo pela dimensão dos seus poetas e dos seus artistas: sobretudo Pessoa; mas também, Eça, Antero, Amadeo, Almada, Manoel de Oliveira, Fernando Lopes-Graça, Cesariny, Torga, Saramago, Vieira da Silva, Eduardo Lourenço, Siza Vieira, Paula Rego ou Cruzeiro Seixas.

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C. C. MONCLOA. Plaza Moncloa, 1. Madrid

 

Margarita Gámez, (Madrid, 1962), amalgama su arte en el territorio de la idea, de la imaginación, del intelecto, en fin.  

Sin asumir esta premisa difícilmente el espectador alcanzará el preciso episteme interpretativo de los valores y esencialidades de la pintura de esta singular artista, pues para ello hay que situarse en el entorno del ámbito de la intuición. 

Y es que sus creaciones, de una parte, surgen de quien, como ella, afronta el peligro de ir hasta el extremo insuperable de la experiencia, tal y como Rainer María Rilke predicó de las condiciones que hacen posible la aparición de la obra de arte. 

De otra parte, sus creaciones muestran aquello que el hombre querría y debería ver, no aquello que ve de forma objetiva con sus ojos, que según el poeta Herman Bahr, citando a Goethe, el artista debe pretender con sus obras, que son, así, la manifestación de su espíritu, conforme Kandinsky exponía en su escrito “Sobre lo espiritual en el arte”. 

Los pinceles de Margarita Gámez, dibujan y pintan, guiados por la ironía, la esencia de las personas y la sustancia de las cosas. Un mundo en donde la mujer, o por mejor decir la esencialidad femenina, se manifiesta, acompañada de “personajes absurdos,” o “personajes insignificantes”. Y simples rostros de mujer en donde, a veces, aparecen los esquinazos tridimensionales del post-cubismo picassiano, que provocan y evocan al espectador.

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 Antonio Domínguez Rey

Catedrático, escritor, crítico literario

 

Desde finales del siglo XIX y comienzos del XX, el arte se asocia a la novedad. Lo nuevo frente a lo viejo. El Art Nouveau. Es vieja querella, sin embargo. Y ahora fiebre que afecta a la sociedad: ciencia, política, moda, costumbres. Su principal ingrediente es utópico: el futuro inmediato. Un arco iris por horizonte de vida. La realidad de las dos grandes guerras de la primera mitad del siglo XX (1914-1918, 1939-1945), y el cruel estallido de la bomba atómica en 1945 contra Japón (Hiroshima, Nagasaki), pronto ajaron el sueño impresionista, futurista y expresionista. Los “ismos”. El brutal impacto de la Revolución rusa de 1917, la guerra fría desatada luego hasta casi finales del siglo XX, más su irradiación en China con Mao Tse-Tung (1949-1976), el conflicto de Vietnam (1955-1975) -segunda guerra de Indochina, la primera entre 1946 y 1954-, el árabe-israelí (1948), la crisis del Canal de Suez con la guerra del Monte Sinaí (1956), y la revuelta de Fidel Castro en Cuba (1959, hasta hoy con su legado, desde 2011), dibujaron la otra cara del mundo. Las secuelas se irradiaron al Golfo Pérsico en 1990-1991 y 2003-2011, con la guerra de Irak. Un siglo de sufrimiento atroz y de creación suprema. Sueño, muerte y realidad cruda. Eros y Tánatos. Los destrozos, cementerios y lucha por la vida impusieron un régimen de supervivencia.

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AMPUDIA, KRISTOFFER ARDEÑA y GALERÍA McMc

PREMIOS AECA EN ARCO 2018

 

 

En la 37 edición de ARCO, la Asociación Española de Críticos de Arte, AECA, ha concedido las siguientes distinciones:

PREMIO AECA al mejor stand de ARCO’18, tanto por su montaje como por su conte -nido, al de la galería bonaerense McMc Arte Contemporáneo.

PREMIO AECA a la mejor obra o conjunto de obras de un artista internacional vivo, a Kristoffer Ardeña, por sus obras exhibidas en Espacio Mínimo.

PREMIO AECA a la mejor obra o conjunto de obras de un artista español vivo a Eugenio Ampudia, por su pieza sonora “Try not to think so much”, expuesta en el espacio de Max Estrella.

Los galardones que distinguen a estos artistas y galería en ARCO 2’18, les fueron entre-gados in situ por una delegación de AICA/Spain, formada entre otros por: Tomás Paredes, Desirée Orús, Blanca García Vega, Pedro Alberto Cruz, Mª Dolores Arroyo, Pilar Aumente, Jesús Pedro Lorente, Enrique Pedrero, Peter Wall, Ana Revilla, Satoru Yamada,

McMc Moderno y Contemporáneo fue fundada por María Calcaterra en 2014, Buenos Aires, donde tiene su sede permanente muy cerca del MALVA. Su stand se distinguía por la limpieza y luminosidad de su montaje y por las obras que mostraba, varias de César Paternosto, y otras de Gyula Kosice, Julio Le Parc, Marha Boto o Rogelio Polesello.

Kristoffer Ardeña, Dumaguete (Filipinas) 1976, se formó en varias ciudades de EE.UU. y Europa, vive y trabaja entre Filipinas y Madrid, expone con Espacio Mínimo de Madrid. Su pintura imbrica humanidad y geometría logrando una manifiesta sutileza y presencia.

Eugenio Ampudia, Valladolid 1958, es uno de los artistas españoles, más reconocidos en el ámbito internacional. Multidisciplinar, es un adelantado en el uso de las nuevas tecnologías y en su humanización de intenso contenido conceptual. Cuenta con numero-sas becas y prestigiosos galardones. Ya en ARCO de 2008 obtuvo el PREMIO AECA al mejor artista de la feria.

 

                                                                                                                   Tomás Paredes

                                                                                        Presidente de AECA/AICA Spain

 

AECA Satoru Yamada

Fotografía: Peter Wall

 

Asistí a la exposición “repetición” del artista japonés Matsubara Ken (Tokio, 1949) en la Galería Rafael Pérez Hernando, el 1 de febrero, y estará expuesta hasta el 10 de marzo.

Entre las obras, hay una línea de pensamiento subyacente de la repetición, por ejemplo, las obras de forma de cuenco llamado “Moon Bowl (cuenco de la luna)” tienen el espejo como superficie de agua y en ella, se proyecta repetidamente la animación rompiéndose los objetos en el espacio, que invocan recuerdos.

En otro vídeo, una chica contempla el fuego de la hoguera y luego lo apaga, después, aparece otra chica con el fuego de la hoguera, esta chica lo apaga. Así una tras otra, las chicas apagan la hoguera repetidamente.

En otra sala, hay un pequeño televisor, es de la época de la burbuja financiera de Japón, cuando las empresas japonesas desarrollaban y fabricaban el pequeño televisor, estando en la vanguardia de la tecnología; el artista ha expuesto el televisor medio fundido en el suelo, en el que se puede visionar la animación de los libros que se caen como el “efecto dominó”, la pequeña pantalla era el símbolo de la economía floreciente; aunque una pequeña pantalla de televisión sea maravillosa tecnológicamente, si pasa la moda, la gente le da la espalda, en el mundo siempre funciona alguna norma poderosa cósmica y eso está más allá del conocimiento humano.

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