OCTAVIO UÑA, EL INTELECTUAL

 

Intelectual es hoy palabra deturpada, venida a menos, despojada de su sentido genuino. Por ello es preciso restaurarla y pronunciarla cuando sea idónea. Como adjetivo, lo perteneciente al entendimiento; sustantivo, persona que se dedica al cultivo de ciencias y las letras; quien a través de su inteligencia desarrolla un pensamiento crítico en torno a la realidad y cuya comunicación adquiere adhesión racional.

La inteligencia está en relación directa con nuestra capacidad para resolver los problemas que nos plantea la vida, en concreto, y el vivir en sociedad. En Con permiso de los cervantistas, Biblioteca Nueva, Madrid 1948, p. 209, apunta Azorín: “Lo más alto, lo más excelso, lo más exquisito, lo más divino que hay en el hombre es la inteligencia” ¿Por qué no se lee a Azorín?

Octavio Uña es un intelectual de referencia. Inteligencia que genera pensamiento positivo, derramado en centenares de publicaciones y alumnos. Luminosa y reflectante inteligencia. No es inteligente, por oportunista y eficaz que sea su acción, quien se dedica a hacer el mal, a proponer el error, que conduce siempre al horror. El intelectual ayuda a sentir y comprender la vida. No es intelectual quien la sabotea, la esquilma, la aniquila. Para Umberto Eco es aquel que al mirar ve lo que otros no distinguen.

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MERCEDES GÓMEZ-PABLOS, EL RINCÓN DEL POETA

GALERÍA DE ARTE ORFILA, Orfila, 3. Madrid

 

BENITO DE DIEGO GONZÁLEZ

Miembro de las Asociaciones Internacional,

Española y Madrileña de Críticos de Arte

 

“Ut pictura poesis”. Este apotegma clásico, aseverado por Horacio en su  “Ars poetica”, es el que Mercedes Gómez- Pablos, (Palma de Mallorca, 1940), hace certitud axiomática en la totalidad de su extensa obra pictórica,dando materialidad plástica a la afirmación de Simonides de Ceos, de que “la poesía es pintura que habla y la pintura poesía muda”.

Su obra rebosa de la poética de lo mistérico, del sentimiento y de la emoción, que eleva desde lo más profundo de ella misma y de sus convicciones y que ella expresa con palabras tan reveladoras como: “Yo quiero pintar en verso, que es pintar con música. Quiero que se escuchen mis colores y que la luz de mis cuadros pueda oírse”. Lírico desiderátum, que trasciende los ámbitos de lo sinestésico, para entrar en el universo sin confines de la poesía.

Y es que la artista, en propia confesión que exterioriza su personalidad, fortalece su ánimo para alistarlo, dedicando un tiempo a la lectura de poetas, algunos de los cuales están integrados en su amplia panoplia de amigos. Y lo hace con la paleta y los pigmentos en la mano, en la mente y en el corazón, en la vigilia ante el estro creador del cuadro  hasta arribar a su epifanía.

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ALAMÁ AL ROJO VIVO

 

Alamá muestra, hasta el 30 de noviembre, su serie Red Studio, El Claustre, Gerona, tlf 972 203 126. 35 obras, en diferentes formatos, transición de “Clásicos desollados”, 2018, a la recreación del “Infierno” de Dante en la que está trabajando.

Atmósferas en rojo transparente en las que ubica desnudos y figuras cabe símbolos plásticos de la tradición, gestos y objetos. Estanos ante un arriesgado diálogo de hiperrealismo, realismo, abstracción y concepto, en el que logra espléndidos iconos. Al rojo vivo es una locución adverbial o adjetivo polisémico y lo empleo como estado de tensión y excitación por alcanzar el objetivo que se propone. Y por imperar el rojo.

A pesar de los desnudos, que los hay adunia, no existe deriva erótica ni provocativa. Es muy difícil provocar con este río incontrolable de imágenes en la actualidad, en el que cabe de lo más procaz a lo sublime. Si está la estructura que permite acceder a lo que busca: la luz expresiva.

 

 

 

 

         Vulcano , Red Studio Series, 200 x 200 cm.

           Óleo, esmalte y resina sobre tela 2019

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“Kintsugi” de Fernando Jiménez

 

Satoru Yamada.

AECA y AICA/SPAIN

 

     El 15 de octubre tuvo lugar la gala en la que se anunció el ganador del Premio BMW de Pintura. Contemplar la diez obras finalistas en el Teatro Real es, sin ninguna duda, una experiencia extraordinaria. Además, el 2 de diciembre se inaugurará la exposición de los seleccionados del Premio BMW de 2019, un total de treinta artistas entre los que están los premiados. En esta ocasión quiero presentar a los lectores un artista que se adapta la cultura japonesa: Fernando Jiménez.

      Se licenció en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia. Después de ganar unos premios, como “Primer Premio en el XXVIII certamen de pintura Villa de Puzol 2013”, logró consideración hasta hacerse con el Primer Premio I Certamen de Pintura de Foios 2018”. Luego ha celebrado exposición individual en el Mucbe Benicarló, 2017. Y el año pasado fue residente en la Casa de Velázquez y allí nos conocimos.

En un inicio, se dedicó al retrato, buscando imágenes que le motivasen, pero se dio cuenta de que predominaba la estética y nada más. Comenzó a profundizar investigando la morfopsicología, Su interés ha obviado la búsqueda del gesto bonito, para indagar en la intimidad de la persona, es decir, su interés ha cambiado de la superficie a la esencia.

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MARTA IGLESIAS

Exposición: Galería Marita Segovia

c/ La Gasca, 7 Madrid

Carmen Pallarés

 

        De una manera justa, equitativa, extraordinariamente equilibrada, Marta Iglesias compone por forma y por color, modalidades de composición que, siendo las más claras y sencillas, no siempre están dispuestas a ser dóciles ni a mostrarse corteses ni a ofrecer sus frutos expresivos más jugosos. Pero, en el caso de esta pintora, ambas modalidades le sonríen, no han dejado jamás de sonreírle.

        La forma sabe que será mimada sobre la superficie del lienzo o del papel, sabe que va a ser dispuesta donde debe, sabe que va a ser configurada de forma firme y delicada a un tiempo, sabe que se va a ser estilizada y se va a avecinar a los senderos de una abstracción geométrica y mágica… El color sabe que va a ser elegido y aplicado de manera exquisita, que sus familias, sus gamas y tonos van a impregnar las formas de una manera acariciadora y que las líneas de la mano alzada le van a hacer vibrar serenamente cuando decida convertirse en mancha.

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Los seres de barro de Lalupú

Mª del Socorro MoraC

Dra. en Bellas Artes y miembro de AECA y AICA

(Comisaria de la muestra)

Y recuerdo que un día mi paso se detuvo

por ver un alfarero que batía su barro:

Y el barro en frase tímida su frenesí contuvo:

¡Suave, hermano, mi forma también tu forma tuvo!

Omar Khayyam

 

Al observar la obra de Wilmer Lalupú una serie de emociones e interrogantes inundan nuestra mente. Más allá del magistral manejo del color, sus propiedades, contrastes y texturas advertimos una serie de mensajes, muy oportunos para este mundo deshumanizado y estresado. En un momento confuso para el arte, Lalupú tiene el coraje de comprometerse y expresar lo que piensa porque, como dice Cameron: “Los artistas somos visionarios. Nuestra práctica habitual se basa en la fe: vemos con claridad un objetivo creativo que resplandece en la distancia y nos movemos hacia él a pesar de que, por visible que sea para nosotros, quienes están a nuestro alrededor no lo ven”[1].

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LEIRO EN TABACALERA

María Toral

Comisaria de la exposición

Miembro de AICA

“... el escultor saca todo lo superfluo y reduce

el material a la forma que existe dentro de la mente del artista.”

Giorgio Vasari

 

 

A través de siete espacios diferenciados (Leviatán, Transito, Frontera, Nichos, Lugar, Modelos y Caracteres) el espectador podrá observar un conjunto de ochenta obras de Francisco Leiro (Cambados, 1957), seleccionadas especialmente para esta exposición en Madrid.

Algunas de esas piezas son inéditas y este corpus artístico abarca un periodo que se inicia en los años noventa hasta llegar a nuestros días con esculturas realizadas este mismo año pensando en las características de las salas de Tabacalera. Un espacio singular que nos invita a explorar la trayectoria de este incansable artista a través de una ruta marcada por siete etapas en las que el dibujo y la escultura se funden en una perfecta armonía.

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