Texto: Satoru Yamada

AECA y AICA

Fotografía: Peter Wall - AECA

Su familia pensaba tirar las obras después de editar un libro del pintor tras su muerte, sin embargo un director de televisión decidió presentar al público la obra en un programa en 2006. Su hermano, Michiaki, me asegura: “Eso cambió todo. A pesar de que era totalmente desconocido hasta este momento…”

     Después de poner el programa del pintor en televisión, inmediatamente el público aceptó su obra y el libro alcanzó al número 1 de venta en la lista de Amazon. Llevando 18 años en España, yo, japonés, sinceramente no sabía que Ishida Tetsuya se había hecho famoso, por eso que el M. N. C. A. Reina Sofía haya organizado su retrospectiva ha sido una sorpresa para mí. 

     En la obra emplea un estilo de “manga”, comics japonés, aunque finalmente no es “manga”, sino algo más, porque apela a nuestra metafísica. Sería correcto emplear el término “surrealismo”, como la obra de Giorgio de Chirico. Su mundo es silencio y la imagen está estancada, aunque los personajes parecen moverse. Es muy perturbador. Representa un corredor sobre un transbordador de cinta que escapa del trabajo rutinario, un chico con traje herido que se esconde entre los edificios de oficina, un hombre que se fábrica en la posible fábrica…etc. Los personajes principales son todos idénticos. Se percibe la crítica social. Su hermano me comentó: “Hay una nota del pintor en la que dice que sus obras servirían a los espectadores para reflexionar sobre los valores morales o la sociedad… ”

        Los años 90 en Japón, época de la adolescencia del pintor, son conocidos como la “década perdida”. Alrededor del 1990/91, la prosperidad de la burbuja fracasó. Muchas empresas quebraron e incluso entidades financieras. Además, llegó la ola de la “globalización” en la política, en la cultura, pero sobre todo en la economía. Entraron muchos valores morales nuevos en mi país y los japoneses tuvieron que darse cuenta de que lo que creían un valor estable sólo era una ilusión. Las empresas, para sobrevivir, tuvieron que abandonar el sistema o costumbre caracterizada por la cultura japonesa como el empleo de por vida, y también empezaron a tener la fábrica en otro país donde el costo de mano de obra es muy barato. Este cambio produjo paro juvenil en Japón.

      En esta etapa es cuando se hace patente el fenómeno de “hikikomori” o persona aislada de la sociedad que se encierra en casa. Hemos recuperado la economía mucho actualmente, pero todavía queda la trauma social de la “década perdida” como “hikikomori”. En los últimos 20 años, según la investigación de una institución, los japoneses han empezado a buscar la autorrealización como individuo más que la vida estable en la empresa de élite. Pero ¿estaba el pintor afectado por esta mala época? Michiaki me asegura: “En realidad no era nada más que un chico ordinario, aunque era un poco emotivo.” 

     Pero observaba la gente de rango social muy bajo, trabajando en la fábrica abierta por la noche o como obrero para ganarse la vida. Sin duda la experiencia laboral le dio la ocasión de pensar el tema. Sin embargo, el hermano añade: “En los últimos años veo la “caída de su “yo” en la obra.”

      El punto de partida de su arte sin duda es la crítica social, pero ha cambiado un poco rumbo en los últimos años. El protagonista de la obra aparece, metamorfoseado en medio-lavabo, medio-calefacción, medio-edificio, etc. Es la pérdida de identidad. Para pensar eso, cogemos otro apunte significativo del pintor sobre la obra. Lo resumo. “Originalmente fue autorretrato para tomarme el pelo de sí mismo como un chico sensible. Sin embargo los espectadores interpretan la obra como crítica social. Escuchando la opinión pública, empecé a considerarlo como consumidor general, como persona urbano, como trabajador, finalmente llegué a concluir que es un japonés”.

      Los espectadores crearon este personaje como típico japonés que sufre en la sociedad. El pintor empezó a tener empatía con el personaje de forma distinta a la de antes. Se notó que mucha gente está en la misma crisis mental. Para un chico frágil, esta preocupación era demasiado grave y pesada. Tal vez no había podido encontrar la manera de solucionarla, ni de propia autorrealización. Probablemente este estrés aparece como “caída de yo”. Desde la crítica social, el tema de la “imposibilidad de autorrealización” está surgiendo. 

      El pintor murió en un accidente, pero en internet se habla de la posibilidad de un suicidio por el morbo que tiene su arte, pero quiero añadir que la generación del pintor tenía la misma preocupación, que no es sólo suya. Tampoco se puede llegar a la conclusión del suicidio directamente desde la obra, sería gratuito y prematuro. Olvidando todo eso, el espectador debe preguntarse frente a la obra si está siendo consciente  plenamente de su propia vida.

Exposición “Ishida: Autorretrato de otro”, Palacio de Velázquez, Parque del Buen Retiro; hasta 8 de septiembre.

※ Dos japoneses en una de las fotografía son Dos hermanos del pintor Masahito y Michiaki (derecha).

 

 

            「失われた10年の画家」・石田徹也(1973−2005)

 実は遺族は亡くなった画家についての本を出版した後、作品を処分するつもりだった。だがあるテレビ局のディレクターが2006年に彼を紹介することにした。画家の兄石田道明は語る。

  「それで全て変わりました。それまでは全く無名だったのですが」

 その後テレビで画家の番組が放送されるとアマゾンで前述の本が売れ行き一位になるなどたちまちのうちに大衆は彼の作品を受け入れた。18年間スペインにいて、日本人男性の私は正直言って、彼が有名になっていることを全く知らなかった。だからこそソフィア王妃芸術センターが彼の回顧展を組織したのは私にとって驚きである。画家の名を石田徹也という。

 一見したところ、日本のコミックである漫画スタイルを踏襲している。だが最終的には漫画ではあるまい。もっと何かある。なぜなら私たちの形而上下のものに訴えてくるからだ。おそらくジョルジョ・デ・キリコのようなシュールレアリズムというのが正解だろう。彼の世界は静かで、登場人物が動きの態勢をとっているのに焼き付けられたようだ。完全に困惑の世界。描いたものといえば、退屈な仕事から逃げようとキャタピラの上を走る人、ビルの間に隠れるスーツを着て、怪我をした青年、工場で製作される青年、等々、全て同一人物だ。画家の社会批判と捉えられる。兄は語る。

 「僕の作品は見ているものが価値観や社会を見直す契機になる、と書かれたメモがあるんです。」

 「失われた10年」と呼ばれる画家が青年期を過ごした日本の90年代を知る必要がある。90年、91年のあたりでバブルという好景気が終わりを告げた。多くの会社が倒産し、金融機関でさえ同じ運命を辿った。その上「グローバリゼーション」の波が訪れた。政治、文化、だが特に経済界にだ。多くの新しい価値観が入り込み、日本人は自分が絶対的価値観と信じていたものが幻想に過ぎないであることに気づいた。生き残るために企業は終身雇用のような日本独自の文化に形づけられたシステムや習慣を捨てることを余儀なくされ、人件費の安い他の国に工場を持つことにした。

 この時期は引きこもり現象が顕在化した時でもある。現在経済は回復したものの、まだ引きこもりのような「失われた10年」の社会的トラウマが残っている。ある機関が行なった日本人の意識調査によると、この20年間で一流企業で生活の安定を求めるよりも、個人としての自己実現を探すようになり始めた。だが画家もこの最悪の時期の影響を受けたのだろうか?兄は私に断言する。

 「実際本当にただの普通の少年でした。感受性は強かったかもしれませんが。」

  でも彼は生活のために深夜やっている工場で働いたり肉体労働をしたりしながら、下級階層の生活を目の当たりにした。間違いなく仕事の経験が彼にテーマを考えさせたに違いない。

 「晩年は彼の絵の中に自己崩壊といったものを見ます。」

 社会批判が間違いなく彼のアートの出発点だった。だが晩年は方向性がちょっと変わる。作品の主人公は洗面台、暖房機、建物などに変身させられた。アイデンティティーの喪失だ。それを考えるために、画家の示唆的なもう一つのメモを手にしよう。要約する。「もともと精神的に弱い自分をからかう自画像だった。だが見るものがこれを社会批判と解釈する。一般の意見を聞いていると、これを消費者と見、都会人と見、仕事人と見、最終的には一人の日本人であると結論するにいたった。」見るものが彼を典型的な社会で苦しむ日本人と見たのである。そして画家自身が以前と違った見方でこの人物に感情移入し始めたのだ。多くの人が同じ精神的危機を迎えていることに気づいた。感じやすい青年にとってこの心配はあまりに重大で重たかっただろう。おそらく解決策を見つけることができず、自己実現をできなかったのではないか。おそらくこのストレスが「自己崩壊」となってあらわれたのだ。社会批判の下から「自己実現の不可能性」がテーマとしてうかびあがってきている。

   彼は鉄道の踏切事故で死んだ。インターネットでアートの退廃性から自殺の可能性を議論する人をもみかけた。そこで一言加えたいが、画家の世代は皆同じ苦しみを抱えていたのだ。彼一人の問題ではなかった。作品からダイレクトに自殺を語るのは早計だろう。そんなことを忘れて、作品の前で自分が充実した人生を送っているか自問してみることをお勧めしたい。

展覧会「石田徹也の自画像」レティーロ公園内ベラスケス宮殿で9月8日まで。

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