NOTA DE PRENSA

El próximo 23 de Mayo de 2019, en la sede de la Asociación Española de Pintores y Escultores, calle Infantas, 30-2º D, a las 7 de la tarde, se celebrará un acto de homenaje, con motivo del quinto aniversario de su fallecimiento, al poeta y crítico de arte D. Luis Hernández del Pozo.

 Intervendrán en el acto el Presidente de  la AEPE, D. Gabriel Astudillo, el Presidente de AECA/AICA Spain. D Tomás Paredes, D. Benito de Diego, de las AMCA, AECA y AICA, que hará la oración laudatoria y Dª. Mercedes Ballesteros, escultora y de la AEPE, que hará entrega, de un busto realizado por ella, a la viuda del homenajeado.

Jesús Cobo / Miembro de AECA

 

Todavía más adelante en el proceso de desvinculación temporal de la imagen de Toledo llegó, en 1964, Francisco Farreras.

        Su gran collage mural, que tuvo ensu momento notable aceptación, ha sido después poco recordado. La obra formaba parte de uno de los dos restaurantes (el llamado “Toledo”) del pabellón de España en la Feria internacional de Nueva York de 1964. Una vez acabada la feria, el pabellón español —o una parte significativa de él, y con ella el mural— fue trasladado  a la ciudad de San Luis, Missouri. Y  allí debe de estar  el gran Toledo de Farreras. Que, desde luego, yo no he visto sino reproducido. Me atengo para acercarme a su visión a la espléndida maqueta que el artista presentó a los organizadores del pabellón, conservada ahora en el museo de arte contemporáneo español de la Fundación Juan March, en Palma de Mallorca; la maqueta es una obra excelente, muy bien ejecutada en formato mediano.

El artista ha logrado una representación inquietante.

Francisco Farreras, maqueta del mural Toledo, 1964, Fundación Juan March, Palma de Mallorca. Diez Visiones De Toledo

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No es habitual que un escultor y grabador español tenga una presencia expositiva en Lisboa tan amplia y compleja como la que disfruta Andrés Alcántara. En el marco temporal de ARCO Lisboa, el C.P.S. y la Galería Antonio Prates han dedicado varios de sus espacios a la difusión de su obra en exposiciones abiertas hasta el 5 de junio.

 De una parte, en la sede lisboeta del Instituto Cervantes, se presentó el libro de artista “Bestiarius Estabenensis”: textos de José Esteban y dibujos de Alcántara. Edición artesanal de 84 ejemplares. Más una exposición de los dibujos originales del bestiario, que comparte espacio con la de Max Aub, ambas presentadas por el director del centro, Javier Rioyo.

De otra: sendas exposiciones, Alcántara Grabador y Alcántara Escultor y Pintor, estas en la rua dos Industriais nº 6, ubicación del C.P.S.  En la primera hay una exhibición cronológica de los grabados realizados en distintas técnicas. El mismo escultor, ante un selecto grupo de coleccionistas y amigos, fue explicando cada plancha y las estampas correspondientes allí exhibidas y realizadas por mestre Marçal.

La propuesta más rotunda, más impresionante, más hermosa es la que concierne a sus esculturas y pinturas. Piedras talladas en diferentes épocas, negras o blancas, limpias y con lenguaje vanguardista, forman un conjunto exuberante y profundo, en el que la piedra se convierte en latido del tiempo y en el corazón del hombre. En las pinturas, brillantes azules y bermellones dan vida a Don Quijote y Dulcinea, en majestad.

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Por Jesús Cobo - AECA

La moda informalista —que, afortunadamente, duró poco— tuvo en el arte español efectos benéficos. Significó lo mismo que la dinamita para ciertas puertas que no se pueden abrir: logró encontrar salidas. Lo mejor del informalismo no fue lo que él mismo hizo sino lo que permitió.

En 1960 pintó Rafael Canogar su gran Toledo informalista, que se muestra en el museo de arte abstracto español de Cuenca. Tenía el pintor veinticuatro años y un formidable talento expresivo. Este gran buscador de equilibrios ha ejercitado desde su juventud una práctica inteligente del arte. Al buscar el equilibrio estético —la estabilidad— de una concepción artística hay muchas veces que desequilibrar lo que sólo en apariencia esta- ba equilibrado. Esta labor se debe más a la inteligencia creadora que a la imaginación, que siempre es anterior a este proceso. No basta con innovar: un creador es mucho más que un innovador. Éste, puede serlo sin salir del ámbito de lo estrictamente combinatorio; el creador es siempre más: por supuesto que innova, pero, además, descubre.

La obra, a mi entender, ha envejecido muy poco; más bien, nada, lo que resulta extraño teniendo en cuenta su decidida filiación de escuela. Extraño y gratificante: su aportación ideológica y morfológica a la iconografía mítica de Toledo sigue siendo valiosa. Canogar no hizo su Toledo para que gustase; tampoco, creo, para sorprender con él y es posible que ni siquiera para provocar. De acuerdo con los postulados de su estética de entonces, el pintor quiso ensayar una propuesta de explicación global del mito toledano. La obra no admite la proposición “así es Toledo”, pero sí, desde luego, esta otra: “esto es Toledo”. Canogar no parecía interesado en saber “cómo es Toledo”, sino, más bien, pretendía dar respuesta a tres preguntas sustanciales: “¿qué es Toledo?”, “¿cuál es su realidad?”, “¿cuál es su esencia?” Estamos, pues, ante la representación de una metáfora, que admite muchos grados de discrepancia y complacencia; pero, en cualquier caso, el ensayo del pintor se ha realizado con éxito.

Rafael Canogar, Toledo, 1960, Fundación Juan March, Cuenca

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Texto: Satoru Yamada

AECA y AICA

Fotografía: Peter Wall - AECA

Su familia pensaba tirar las obras después de editar un libro del pintor tras su muerte, sin embargo un director de televisión decidió presentar al público la obra en un programa en 2006. Su hermano, Michiaki, me asegura: “Eso cambió todo. A pesar de que era totalmente desconocido hasta este momento…”

     Después de poner el programa del pintor en televisión, inmediatamente el público aceptó su obra y el libro alcanzó al número 1 de venta en la lista de Amazon. Llevando 18 años en España, yo, japonés, sinceramente no sabía que Ishida Tetsuya se había hecho famoso, por eso que el M. N. C. A. Reina Sofía haya organizado su retrospectiva ha sido una sorpresa para mí. 

     En la obra emplea un estilo de “manga”, comics japonés, aunque finalmente no es “manga”, sino algo más, porque apela a nuestra metafísica. Sería correcto emplear el término “surrealismo”, como la obra de Giorgio de Chirico. Su mundo es silencio y la imagen está estancada, aunque los personajes parecen moverse. Es muy perturbador. Representa un corredor sobre un transbordador de cinta que escapa del trabajo rutinario, un chico con traje herido que se esconde entre los edificios de oficina, un hombre que se fábrica en la posible fábrica…etc. Los personajes principales son todos idénticos. Se percibe la crítica social. Su hermano me comentó: “Hay una nota del pintor en la que dice que sus obras servirían a los espectadores para reflexionar sobre los valores morales o la sociedad… ”

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10 Visiones de Toledo

Jesús Cobo Ávila

En 1943 la ciudad de Toledo mantenía aún en España una enorme popularidad postbélica. En ese año, Benjamín Palencia pintó su vista panorámica de Toledo y ganó con ella la primera medalla en la Exposición na- cional de Bellas Artes. La obra se expuso algunos años —los de su funcionamiento— en el pequeño museo de arte contemporáneo de Toledo y se conserva ahora en el museo Reina Sofía.

La vista tiene innegables valores pictóricos: un cielo muy trabajado y vistoso (aunque efectista), un colori- do variado y agradable, de tonos templados y suaves, y una composición inteligente. Tiene, además, una factura suelta y relajada, que, en apariencia, le hace “más moderno”

Benjamín Palencia, Toledo, 1943, Museo Reina Sofía, Madrid.

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Juan Gª Sandoval

Miembro de AECA

Cristóbal Gabarrón (Mula, Murcia, España, 1945) experimenta el vínculo con la tierra, el pasado y la memoria en su proyecto “Pieles” donde se adentra en concepciones relacionadas con la naturaleza, donde todos los seres vivos tenemos piel, somos piel, formamos parte de la madre Tierra, de un conjunto que está formado por capas y estratos, mantos… alterados hoy en día por la acción del hombre que ha dado lugar al cambio climático, de ahí la necesidad de actualizar y reorientar la relación del ser humano con el entorno si queremos conservar el planeta, discurso artístico que nos hace recapacitar sobre las formas y usos de las pieles (del planeta) y de la jerarquía de los valores actuales en la relación con la naturaleza, donde el artista sitúa al ser humano en el centro, como colonizador, devastador de los recursos naturales, nos invita a enfrentarnos al presente con su arte simbólico.

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