Julia Sáez-Angulo

 

22/01/18 .- MADRID .- El poeta Hilario Martínez Nebreda ha recitado sus poemas junto a su poética en “A orillas de Ávila”, presentado por José Félix Olalla. El acto ha tenido lugar en el Hogar de Ávila de Madrid, presidido por María Anunciación Gil, quien elogió el amplio currículo del poeta en el campo social.

Hilario Martínez Nebreda, (Burgos, 1945), su formación está vinculada a Colegios de la Merced. Ha trabajado comprometido con problemas de marginalidad y pobreza en diferentes pueblos y gentes: chabolismo gitano, campesinos y marineros, problemas di-sociales y drogodependencia... Su obra poética se publica en Ed. Vitrubio y colabora en diferentes antologías y revistas. Entre sus títulos: Romancero del afilador, Hombres de espartos y la ballena, Heridas de piedra, Cuerpos resucitados, El juglar y la momia…

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Julia Sáez-Angulo

 

13/01/18 .- MADRID .- El escritor Oscar Wilde es el autor del libro El crítico como artista. La importancia de no hacer nada. La importancia de discutirlo todo, publicado por la editorial Reino de Cordelia. Se trata de un ensayo con lenguaje desenfadado y mordaz en la que propone que la labor del crítico es más meritoria que la del artista y aprovecha para escandalizar a la sociedad de su época con provocaciones y epigramas”.

“Todos estos ensayos coinciden con el momento en que Wilde alcanza su madurez como escritor”, escribe el editor en la presentación del libro El crítico como artista. “ Con ellos logró una enorme celebridad entre el público culturalmente elevado, que valoro el ingenó de su razonamientos y epigramas; al tiempo se ganó el desprecio y la enemistad de las clases populares, que lo veían como un frívolo cínico y pedante. Oscar Wilde (Dublín, 1854 – París, 1900) no buscó nunca la paz con sus detractores, sino que los atacó, convencido que su público inglés se siente mucho más a gusto “cuando le habla un mediocre”, según escribe en La importancia de no hacer nada.

Ciertamente Wilde es inteligente, ingenioso y provocador, también cínico y pedante con frecuencia, sabedor de su inteligencia, creedor de su superioridad y sin un átomo de humildad o compasión, que hubo de aprender al final de sus días dramáticos en la cárcel.

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L.M.A.

 

La galería de arte Fernández-Braso presenta una exposición dedicada a Isabel Villar (Salamanca, 1934), cuya selección de obras responde a la idea y a la mirada que sobre su pintura ha proyectado Alberto Anaut, fundador de La Fábrica y de PHotoEspaña, gran conocedor de la obra y de la artista desde hace varias décadas.

El mundo interior de Isabel Villar ensoñado, imaginativo, fantasioso, infantil ha configurado un lenguaje pictórico plenamente reconocible y personal, inimitable y de difícil clasificación. "Neofigurativa", "neosurrealista", "microrealista", "neorromántica", "ingenuista", "primitivista", "naif", "erótica", "feminista", son algunos de los términos que se han utilizado a la hora de describir su trabajo, el cual, más allá de cierta simplicidad y aparente ingenuismo; y de trasladar al espectador a un escenario de bondad y armonía, nunca ha estado exento de ironía, de crítica velada, de lecturas ambiguas.

La exposición está formada por veintitrés pinturas sobre lienzo y dos esculturas, y recorre la trayectoria de Isabel Villar desde sus comienzos hasta la actualidad. Reúne algunos de los temas y de los personajes fabulosos surgidos de su imaginación. Sus solitarias mujeres desnudas en medio de utópicos jardines, o aquellas que disfrutan en grupo de su propio paraíso terrenal. Los retratos de familia junto a animales salvajes domesticados, o las imágenes de novios y recién casados. Niñas mariposa volando y multiplicándose, conciertos para rebaños y ángeles feminizados representando escenas cotidianas.

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Julia Sáez-Angulo

 

09/12/17 .- Madrid .- Las colas de visitantes han vuelto al Museo del Prado para ver la exposición antológica “Fortuny (1838-1874)”, todo un éxito de interés por el artista decimonónico que nos ha dejado un legado de pintura fascinante en cuanto a iconocografía y técnica pictórica. Un maestro del arte reconocido por el gran público y sus colegas los pintores.

El comisario de la muestra, que permanecerá abierta hasta es Javier Barón, jefe de conservación de pintura del siglo XIX en el Museo del Prado. LA Fundación AXA patrocina la exposición.

El Museo del Prado dedica a la exposición de Fortunuy sus dos salas más importantes en la ampliación del Museo. Es la primera vez que el Prado aborda una exposición antológica de este destacado artista, buena parte de cuyas obras maestras conserva gracias a los generosos legados de Ramón de Errazu y de Mariano Fortuny y Madrazo, hijo del pintor, y a compras realizadas por el propio Museo.

Como en otras exposiciones monográficas que ha realizado el Prado, se presenta una revisión de la mejor aportación del pintor. Mariano Fortuny, el artista español que tuvo una mayor presencia internacional en el último tercio del siglo XIX, fue un verdadero renovador en todas las parcelas del arte que cultivó. En la pintura al óleo, su técnica precisa, colorista y brillante le permitió una nueva aproximación al natural, especialmente en la captación de la luz. En ello influyó su dominio de la acuarela, que le consagró como el gran impulsor de esta técnica en su tiempo.

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Julia Sáez-Angulo

 

30/11/17.- MADRID.- “Oirotalev” –la palabra “Velatorio” al revés, difícil de memorizar-, es la obra dramática de Juan Frenosa, que se representa en el Teatro Intemperie de la capital de España, con una interpretación magistral de Tamara Casellas, Luis de Sannta, Martín Aslan y Lluïsa Valldaura.

David Ramiro Rueda es el director de la obra en un espacio pequeño, capaz de acoger en su seno la fuerte carga de intensidad de una obra de teatro dramática, en la que tensión se masca de principio a fin.

El argumento de un ajuste de cuentas en la sala de espera y visitas de un tanatorio, tras el fallecimiento del padre, donde tres hermanos se enfrentan a un cúmulo de afectos, intereses y frustraciones. Lo que simplemente podía ser un melodrama, se convierte, por arte del teatro bien hecho, en vida sobre el escenario.

La interpretación de los actores es espléndida en su palabra, silencios, pausas y sobre todo gestos, que transmiten credibilidad al texto llevado al paroxismo del conflicto. Ver la congestión del rostro o el temblor de los muslos en el personaje del hermano mayor resulta asombroso y magistral.

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L.M.A.

La crítica de arte Julia Sáez-Angulo, presentada por el historiador de arte Felipe Serrano Estrella, impartió una conferencia sobre “La escultura después de las vanguardias” en la Fundación Juan Moral de la Universidad de Jaén. La conferencia comprende una breve introducción sobre la historia de la escultura, para centrarse en apuntes sobre las rupturas y quiebros del siglo XX, con sus figuras destacadas como son: Auguste Rodin, Henri Moore, Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Joan Miró, en París; Oteiza y Chillida, en España, seguidos de otros nombres de escultores españoles contemporáneos de finales del XX y actuales del XXI.

Sáez-Angulo dividió la conferencia en los siguientes apartados:

I .- Apuntes históricos sobre la Escultura

II .- Auguste Rodin (1840 -1917) y Henri Moore (1898 -1986)

III.- Pablo Picasso ( 1881 -1973) Exposición en el Centro Georges Pompidou. Año 2000

IV.- Marcel Duchamp (1887 -1968). El ready-made, objeto encontrado y el gran quiebro

V .- Brancusi, Boccioni, Duchamp-Villon, Naum Gabo y Pevsner, Miró, Calder, Arp, Christo…

VI.- La Escultura en España. Siglos XX y XXI. Jorge Oteiza (1908 -2003) y Eduardo Chillida (1924-2002). Pablo Gargallo (1881-1934), Pablo Serrano (1808-1985) y Honorio García Condoy (1900-1953).

VII.- Juan Moral escultura de la piedra y el metal

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Perú estrena primavera ofreciendo un gran homenaje al maestro Chávez cuando va a cumplir ochenta años de vida y sesenta y cinco de pelea con las formas y el color. En el Museo de la Nación, en Lima, hasta el 18 de noviembre, auspiciado por el Ministerio de Cultura, más de 200 obras- pinturas, dibujos, esculturas-, distribuidas en cuatro plantas, ofrecen una visión panorámica de su descomunal trayectoria plástica y existencial.

Con rubro “Chávez 80”, podemos contemplar los tanteos de su formación, los inicios, su etapa italiana; su estadía en París, donde reinventa el surrealismo en los años setenta; su vuelta a Perú impregnándose de las esencias de la cultura Mochica, sus pinturas de fondos negros, el mundo del circo y los carruseles; las últimas décadas, cuando utiliza el barro, pigmentos naturales y carbón vegetal sobre tela de yute: ¡un epinicio fantástico que imbrica hombre y mito, aquelarres quiméricos y ternura! Una majestuosa exposición que nos permite contemplar todos los yo que componen el yo genuino del maestro Chávez. El mismo ha confesado sentirse emocionado y abrumado al poder ver reunidas tantas obras en esta manifestación exclusiva: “Estas obras, producto de sesenta y cinco años de trabajo, reflejan los callejones que escogí para estar más cerca de mis sentimientos”.

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