Cubos… es la primera vez que se emplea la fórmula para designar esta pintura. Aun cuando, por lo que cuenta el rumor un miembro del jurado del Salón de Otoño dijo: Braque pinta pequeños cubos, es la primera vez que la palabra se imprime en este sentido. Buena o mala, adecuada o inoportuna, está lanzada. Nadie podrá retirarla. El Cubismo ha sido bautizado por alguien a quien no le gusta. La palabra quería ser, sencillamente, maligna y burlona, de uso limitado y, en cualquier caso, puntual. Pero entrará en la historia. […]

A principios del siglo XX ha tenido lugar un suceso insólito. A saber: los jóvenes pintores desconocidos de aquella época ya no se contentaban con colocar sobre el lienzo líneas y colores, sino que metieron objetos dentro de él. Eran preferentemente objetos planos o casi planos, tales como pedazos de periódico, viruta de hierro, trozos de corcho e incluso arena. Se les preguntaba que por qué y contestaban divertidos: Es para justificarnos, pero, ¿Justificaros de qué? Llegado este punto cambiaban de conversación. Sin embargo a veces añadían: ¿De qué sirve imitar el periódico, o la arena o el corcho? ¿De qué, si puedo introducirlos en el lienzo? A pesar de todo, todavía no quedaba demasiado claro. Pero, en todo caso, lo que sí estaba claro es que no era una cuestión de perspectiva la de aquellos cuadros, ya que no había siquiera lugar para la perspectiva, puesto que no se ve de ninguna forma cómo la arena o el corcho de verdad podrían someterse a las reglas del cubo, de la unidad de la luz o de la simplicidad del punto de vista. ¡Si ya no presentaban nada!, puesto que presentaban, en vez de representar. En pocas palabras, a los nuevos pintores ya no les bastaba (como les había bastado a Monet, a Van Gogh o a Cézanne) con desobedecer a las unidades. Era necesario, además, suprimir toda ocasión de perspectiva. ¿En provecho de qué, y adónde llegar? No se tardaría en saber.

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Los bibliófilos, no sólo patrios, conocen, o debieran conocer, la pasión que tuvo por los libros el Dr. D. Juan Negrín, último presidente del Consejo de Ministros de la II República Española. Asunto de una exposición, durante los meses de mayo y junio, en el Instituto Cervantes de París, basada en la que conserva su nieta, porque otras se subastaron, donaron o perdieron, ya que el científico y político español tuvo varias bibliotecas.

Con motivo de esa muestra se ha editado un catálogo-libro que cuenta con varios estudios, uno de ellos- Juan Negrín: algunas cosas que nos cuenta su biblioteca-de Juan Manuel Bonet, a quién voy a referirme ahora, reseñando los restantes más adelante.

J.M. Bonet, director actual del “Cervantes” de París, amén de crítico de arte y poeta, es un consumado bibliófilo, de lo que hay cumplida muestra bibliográfica. Su amor por los libros, que conozco de primera mano, es compulsivo, constante, analítico y feraz. No sólo por los que ha atesorado ya, sino por su continua búsqueda y por la magnitud de su conocimiento. No me gusta la palabra coleccionista para un bibliófilo, aunque los habrá, pero Juan Manuel es lector y eso determina su bagaje cultural y su actitud ante la vida.

 

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  • La exposición se integra dentro de las actividades programadas para el Año Internacional de la Luz 2015, un proyecto de la UNESCO que cuenta en España con el alto patrocinio de la Casa Real
  • Sorolla desarrolló una sensibilidad extrema hacia la luz, natural o artificial, en interiores o sobre todo en exteriores, y destacó tanto en este aspecto que llegó a ser conocido como “el pintor de la luz”

L.M.A.

13-julio-2015.- El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, coincidiendo con la celebración del Año Internacional de la Luz, ha inaugurado hoy en el Museo Sorolla la exposición Sorolla. Arte de la luz, que podrá verse hasta el 18 de enero de 2016. La exposición, que profundiza en la faceta más conocida del pintor valenciano, ha sido organizada por el Museo Sorolla con la colaboración de la Fundación Museo Sorolla, y ha contado con el patrocinio de la Fundación Mutua Madrileña y la Fundación Iberdrola España. Se integra dentro de las actividades programadas para el Año Internacional de la Luz 2015, un proyecto de la UNESCO que cuenta en España con el alto patrocinio de la Casa Real.

Sorolla vivió en una época en que la ciencia hizo importantes avances en el estudio de la naturaleza física de la luz, y en la que, gracias a la incorporación de la iluminación artificial, la vida cotidiana adquirió una nueva dimensión. Como pintor desarrolló una sensibilidad extrema hacia las formas de la iluminación, natural o artificial, en interiores o sobre todo en exteriores, y destacó tanto en este aspecto que llegó a ser conocido como “el pintor de la luz”.

 

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El pasado día 23 de junio tuvo lugar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, un homenaje a la Dra.Geneviéve Barbé, Hispanista, historiadora de arte, profesora en la Sorbona.

Este homenaje, promovido por la Asociación Española de Críticos de Arte/AICA/Spain, en colaboración con la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y el Centro Superior de Investigaciones Científicas.

Han participado en el acto : D. Antonio Bonet, en representación de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; D. Miguel Cabañas y D. Wifredo Rincón por el Consejo Superior de Investigaciones Científicas, D. Tomás Paredes como Presidente de AECA/AICA Spain y M. Alain Fohr, agregado cultural de la Embajada Francesa en España. Así como la Dra. Dña. Rosario Camacho, de la Universidad de Málaga.

D.Antonio Bonet, como Presidente del acto nos deleitó con unas bellas palabras sobre la homenajeada, a quien conoce desde tiempo. De la misma forma, D. Miguel Cabañas, D. Wifredo Rincón y D. Tomás Paredes, como investigadores, críticos y perfectos conocedores de la vida de la doctora Barbé dieron un tono muy especial y personal al acto.

 A continuación transcribimos la intervención de la Dra. Dª Rosario Camacho, catedrática de la Universidad de Málaga:

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La palabra caligrafía resulta engañosa cuando nos referimos a su importancia en el arte europeo. Pese a que un gran número de pintores han incorporado a sus obras la influencia de este tipo de arte, debemos definir correctamente su significado para entender dicha influencia.

En el año 1952, cinco calígrafos de Kioto y otras ciudades de Japón, que creían que el mundo de la caligrafía se encontraba estancado, fundaron una asociación llamada Bokujin-kai con la que trataron de buscar una solución a este problema: fueron Morita Siryū, su líder, Eguchi Sōgen, Sekiya Yoshimichi, Inoue Yūichi y Nakamura Bokushi. Aunque ya con anterioridad había dado comienzo una corriente contra el convencionalismo en este mundo, y desde los primeros años del siglo XX algunos especialistas habían tratado de renovarlo, no se había logrado crear un movimiento realmente innovador. Pero eso fue hasta la creación de Bokujin-kai.

Sus miembros trataron de interpretar la caligrafía no cómo un arte práctico o susceptible de ser aplicado en lo cotidiano, sino como puro arte plástico, bajo la siguiente clave: “la caligrafía es la expresión de la vida en pleno y enérgico movimiento” (Morita Siryū). Recibiendo a una serie de profesores expertos en orientalismo como colaboradores –entre ellos alguno especialista en Budismo, como Hisamatsu Shinichi–, cortaron sus relaciones con otras asociaciones de caligrafía, e intentaron no presentar sus obras a los certámenes tradicionales de esta disciplina, sino a concursos de arte abstracto. Todo ello con el fin de poder desarrollar una actividad y un mundo propios. Los calígrafos comenzaron a dar menor importancia a la identidad de los caracteres o “letras” que elegían para escribir en su obra, y se concentraron en los elementos que los formaban –una línea, un punto–, así como en el movimiento desarrollado para trazarlos. Algunos investigadores comparan las obras de Bokujin-kai con las de Piet Mondrian porque, pese a la innegable existencia del carácter que en un principio pretenden escribir, en el término de la obra éste ya no es reconocible como tal, quedando únicamente su esencia.

 

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Botí

El pasado jueves 18 de junio, tras varias tentativas frustradas por distintas razones, tuvo lugar la inauguración oficial del Centro de Arte Contemporáneo “Rafael Botí”, ubicado en la calle Manriquez 5, en plena Judería, de Córdoba, con una exposición de obras del autor que da nombre al centro, procedentes del fondo de la Fundación Rafael Botí, dependiente de la Diputación de Córdoba.

El acto inaugural contó con la presencia de la Presidenta de la Diputación, Dª María Luisa Ceballos Casas, acompañada del diputado D. Antonio Pineda Bonilla y de Dª Dely y D. Rafael Botí Torres. Además de una representación del mundo cultural cordobés y otras personas venidas de fuera, entre otros: Enrique Aguilar, José Cosano, José Mª Palencia, Tomás Egea, Antonio Povedano Marrugat, Joaquín Roses, Juan Miguel Moreno Calderón, Juan de Dios García Aguilera, Diego Ruiz Alcubilla, Juan Zafra, José Mellado Benavente, que fue el iniciador de este proyecto; Carmelo Casaño o yo mismo, en representación de la Asociación Española de Críticos de Arte, de la que es miembro Rafael Botí Torres.

 

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Gamoneda

Es de papel y poesía y estampas litográficas. Está oculto pero es diáfano. ¡Un libro de artista precioso! No son más que tres poemas de voz jerárquica y tres litografías del joven pintor, pero la conjunción es exquisita, profunda, hermosa, fiel al orbe que crean los pintores de raza y los poetas cuando se unen para milagrear.

Gamoneda tiene una larga e intensa relación con creadores plásticos: carpetas, libros, catálogos, ya con versos éditos o inéditos. Antonio Gamoneda ha escrito con frecuencia sobre arte: Echauz, Tápies, Chillida, Barjola, J.Mª Navascués, Jorge Pedrero, Piñel, Caneja, Juan Martínez, Juan Carlos Mestre, Labrador, Agulló, Amancio González, José Luis Sánchez, Lucio Muñoz, Fauthoux, Luis G. Benavides, Kurosawa, Mieres, Felix de Cárdenas, Orlando Pelayo, Arcadio Blasco, Alejandro Vargas, Esteban de la Foz … Y libros con Tápies, Barjola, Álvaro Delgado, Bernardo Sanjurjo o ahora con Luis Moro.

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