La palabra caligrafía resulta engañosa cuando nos referimos a su importancia en el arte europeo. Pese a que un gran número de pintores han incorporado a sus obras la influencia de este tipo de arte, debemos definir correctamente su significado para entender dicha influencia.

En el año 1952, cinco calígrafos de Kioto y otras ciudades de Japón, que creían que el mundo de la caligrafía se encontraba estancado, fundaron una asociación llamada Bokujin-kai con la que trataron de buscar una solución a este problema: fueron Morita Siryū, su líder, Eguchi Sōgen, Sekiya Yoshimichi, Inoue Yūichi y Nakamura Bokushi. Aunque ya con anterioridad había dado comienzo una corriente contra el convencionalismo en este mundo, y desde los primeros años del siglo XX algunos especialistas habían tratado de renovarlo, no se había logrado crear un movimiento realmente innovador. Pero eso fue hasta la creación de Bokujin-kai.

Sus miembros trataron de interpretar la caligrafía no cómo un arte práctico o susceptible de ser aplicado en lo cotidiano, sino como puro arte plástico, bajo la siguiente clave: “la caligrafía es la expresión de la vida en pleno y enérgico movimiento” (Morita Siryū). Recibiendo a una serie de profesores expertos en orientalismo como colaboradores –entre ellos alguno especialista en Budismo, como Hisamatsu Shinichi–, cortaron sus relaciones con otras asociaciones de caligrafía, e intentaron no presentar sus obras a los certámenes tradicionales de esta disciplina, sino a concursos de arte abstracto. Todo ello con el fin de poder desarrollar una actividad y un mundo propios. Los calígrafos comenzaron a dar menor importancia a la identidad de los caracteres o “letras” que elegían para escribir en su obra, y se concentraron en los elementos que los formaban –una línea, un punto–, así como en el movimiento desarrollado para trazarlos. Algunos investigadores comparan las obras de Bokujin-kai con las de Piet Mondrian porque, pese a la innegable existencia del carácter que en un principio pretenden escribir, en el término de la obra éste ya no es reconocible como tal, quedando únicamente su esencia.

 

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Botí

El pasado jueves 18 de junio, tras varias tentativas frustradas por distintas razones, tuvo lugar la inauguración oficial del Centro de Arte Contemporáneo “Rafael Botí”, ubicado en la calle Manriquez 5, en plena Judería, de Córdoba, con una exposición de obras del autor que da nombre al centro, procedentes del fondo de la Fundación Rafael Botí, dependiente de la Diputación de Córdoba.

El acto inaugural contó con la presencia de la Presidenta de la Diputación, Dª María Luisa Ceballos Casas, acompañada del diputado D. Antonio Pineda Bonilla y de Dª Dely y D. Rafael Botí Torres. Además de una representación del mundo cultural cordobés y otras personas venidas de fuera, entre otros: Enrique Aguilar, José Cosano, José Mª Palencia, Tomás Egea, Antonio Povedano Marrugat, Joaquín Roses, Juan Miguel Moreno Calderón, Juan de Dios García Aguilera, Diego Ruiz Alcubilla, Juan Zafra, José Mellado Benavente, que fue el iniciador de este proyecto; Carmelo Casaño o yo mismo, en representación de la Asociación Española de Críticos de Arte, de la que es miembro Rafael Botí Torres.

 

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Gamoneda

Es de papel y poesía y estampas litográficas. Está oculto pero es diáfano. ¡Un libro de artista precioso! No son más que tres poemas de voz jerárquica y tres litografías del joven pintor, pero la conjunción es exquisita, profunda, hermosa, fiel al orbe que crean los pintores de raza y los poetas cuando se unen para milagrear.

Gamoneda tiene una larga e intensa relación con creadores plásticos: carpetas, libros, catálogos, ya con versos éditos o inéditos. Antonio Gamoneda ha escrito con frecuencia sobre arte: Echauz, Tápies, Chillida, Barjola, J.Mª Navascués, Jorge Pedrero, Piñel, Caneja, Juan Martínez, Juan Carlos Mestre, Labrador, Agulló, Amancio González, José Luis Sánchez, Lucio Muñoz, Fauthoux, Luis G. Benavides, Kurosawa, Mieres, Felix de Cárdenas, Orlando Pelayo, Arcadio Blasco, Alejandro Vargas, Esteban de la Foz … Y libros con Tápies, Barjola, Álvaro Delgado, Bernardo Sanjurjo o ahora con Luis Moro.

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Latova

 

El pasado día 22 de mayo, Maria Teresa Ortega Coca recibió el Premio Racimo de Promoción Cultural‘2014 de la villa de Serrada. La entrega de los Premios Racimo’2014 de Serrada tuvo lugar en una gala celebrada en el teatro de la localidad.

Este premio se ha concedido como reconocimiento a la larga trayectoria profesional dedicada a la promoción del arte y la cultura de Teresa Ortega Coca, desarrollada como crítica de arte en revistas especializadas, en comisariados y jurados nacionales e internacionales, como ARCO, la Bienal de Florencia, o la Fundación Inamori de Japón. Vocal de la AECA con varios presidentes, ha sido Presidenta y Fundadora de la ACYLCA, Presidenta de la Sección de Arte del Ateneo de Valladolid, así como ha sido nombrada Académico de Mérito de la Academia Tinacria de Italia.

 

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Latova

 

Hubo un tiempo en el que la estirpe de los raros se convirtió en tema de análisis y defensa. Así, Rubén Darío publicó un volumen, “Los Raros”, Tipografía la Vasconia, Buenos Aires 1896, en el que recogía la vida de diversos autores admirados por él, que se apartaban de lo común, casi todos ellos poetas simbolistas franceses, movimiento que veneró el gran Rubén. Tuvo tanto éxito que requirió una segunda edición, en Barcelona 1905.

Pareciera acertado analizar y ensayar vidas y obras del mundo del arte, que merecen una consideración y que por diversas razones, en cierta medida, son despreciadas o marginadas. Hay algo más allá de las grandes cifras en el arte: hay vidas entregadas a una pasión, que deben conocerse; particularidades y matices por contrastar, ocultos que admirar.

En reciente viaje a París, hice varias rutas para ver las exposiciones públicas y privadas que se mostraban en esas fechas. Al confeccionarlas, mi amigo José Manuel Leonardo de Sá, galerista y poeta, me insistió en que debía conocer a un personaje interesante e insólito: Cato Catoni, que tiene exposición permanente en Connoisseur’s Gallery.

Y allí nos dirigimos, al 28 de la rue Mazarine, y me presentó al maestro, nombrado así por doble motivo. En Francia a abogados y grandes pintores se les denomina maître. Cato Catoni, así firma sus pinturas, de origen corso, 1929, es el reputado abogado Jean Catoni, en el Barreau de París desde 1953, abogado de la Cour d’Appel. Doctor en Derecho con una tesis sobre La rupture du contrat d’agent comerciel,

 

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Latova

 

No es un pintor, ni un poeta, ni un arquitecto japonés, aunque tenga una disposición hacia todo eso. Para muchos, un nombre desconocido; sólo unos pocos saben que se trata del Sr. Embajador de Japón en España, Kazuhiko Koshikawa. Y digo unos pocos, por-que su labor se constriñe a la difusión de la cultura japonesa y porque lleva escasos meses entre nosotros desempeñando esa representación.

Pero, por lo comprobado, su nombre va a sonar en el ámbito de la cultura. ¡Ya verán! Está comprometido con el arte y la cultura, con los artistas japoneses en España, para darles a conocer y ayudarles a mostrar su trabajo relacionándoles. Con esa idea, el pasado miércoles, 27 de mayo, en su residencia particular, ofreció una recepción para presentar la pintura de Teruhiro Ando: La voluntad en la naturaleza, muestra breve e intensa.

Pequeña exposición que, no obstante, permite ver la trayectoria y la actualidad de Ando. El Sr. Koshikawa, perfecto anfitrión, hizo de presentador de unos a otros de los asistentes y dijo unas palabras muy ajustadas a lo que era su proyecto y lo que veía de español y japonés en la obra de Ando, que vive en Toledo desde 1992. A continuación, Teruhiro Ando dio las gracias por esta oportunidad y ensalzó la decisión y la actitud del Embajador. Yo cerré el acto, introduciendo la pintura de Ando, que gira en torno a la luz y las sombras, la vibración de la huella y la magia de la esencia, la seducción y el orden.

 

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Latova

En el año 1937, mientras se encontraba en París, el poeta bilbaíno Juan Larrea leyó un artículo de periódico sobre el bombardeo de Guernica, en el que se incluían fotografías del mismo. Acudió entonces al Café de Flore para entrevistarse con el director del Museo del Prado, y tratar de convencerle de la necesidad de enviar al mundo una señal del protesta por los trágicos sucesos acaecidos el 26 de abril de aquel mismo año. El máximo dirigente de la pinacoteca madrileña se encontraba en la capital francesa encargándose de la realización de una obra para el pabellón del País Vasco en la Expo de 1937, pero aún tenía dudas sobre el tema a elegir, así que decidió optar por la propuesta de Larrea. De esta forma nació una gran obra, el Guernica de Pablo Picasso, pero es de destacar que, si Picasso no acudió a la localidad vasca tras el bombardeo alemán, ¿cómo quedó tan impresionado como para realizar de forma inmediata su gran obra? Lo cierto es que ello fue posible gracias al invento que se había iniciado en aquella época, y del que estamos dando noticia en este trabajo, la fotografía periodística. La composición de la fotografía en la que se basó Picasso para confeccionar su cuadro es muy parecida al mismo. De hecho, podemos considerar que esta pintura histórica es, en realidad, una “fotografía pintada”.

 

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