Artistas de Alicante y comisarios o críticos de arte pueden presentar sus propuestas al concurso ARTE EN LA CASA BARDIN, sede del IAC Juan Gil-Albert. Hasta el 31 de mayo, muestra lo que haces, muestra lo que ves.

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LA OBRA OCULTA DE LORENZO UGARTE

(1926-1992)

 

Galería Ra del Rey, Reina, 11. Madrid, del 21 de mayo al 17de junio del 2017

Scardanelli (2)

Lorenzo Ugarte, tiene etapas aún desconocidas por el público, como la presente muestra, en la que se exponen por primera vez, lo que él llamaba cuadros negros.

Para entender esta etapa negra de Lorenzo hay que ubicarle en la situación histórica, social y personal que estaba viviendo. Ugarte trabajó en diagramación o maquetación, en el periódico YA, propiedad de la Iglesia, en concreto de Acción Católica.

La década del setenta al ochenta estuvo llena de acontecimientos terribles (1) pero el drama que más alcance tuvo, al menos a nivel popular, fue la guerra del Vietnam, que dura casi veinte años y termina en 1975. La segunda guerra mundial deja una Alemania vencida, devastada y dividida, y el ambiente de postguerra lo refleja magníficamente el escritor alemán Heinrich Böll, que será premio Nobel en 1972, y que una de sus obras influye profundamente en el ánimo de Lorenzo, Opiniones de un payaso, que en España se publica en 1973.

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Carmen Pallarés

En Madrid, en el Barrio de los Austrias, en la calle Concepción Jerónima, en la fachada de un pequeño edificio hay una placa que nos dice que, ahí, estuvo el solar donde se alzaba la casa que acogió a Diego Velázquez cuando en 1623 se trasladó a la corte.  En efecto, ahí estaba una de las casas conocidas como las casas de Pedro de Hita, inmuebles sobre los que tenía derechos el monarca. Sí, ahí vivió Velázquez con su familia durante muchos años y, al parecer, el pintor fue ya su propietario desde 1637, hasta que años más tarde disfrutó de vivienda oficial, como diríamos hoy, en una casa cercana al Palacio de Oriente. Hablamos… de un Madrid histórico y desaparecido entre las brumas habituales de nuestras desmemorias, derribos y transformaciones. De un Madrid histórico, castizo y cosmopolita.

            La galería de arte que desde hace un año ocupa a pie de calle el edificio de Concepción Jerónima no es histórica, pero sí participa de las dos últimas características que he relacionado, el casticismo y el cosmopolitismo, como el barrio al que pertenece y, también, por otras circunstancias, como el propósito artístico de presentar y realzar lo original y originario, y lo global e internacional en su programación, algo que ya se ha vuelto realidad en las exposiciones de los seis artistas que hasta hoy han mostrado sus obras en ella, tanto de dentro como de fuera de nuestras fronteras. Asimismo, los fundadores de la galería son de dentro y de fuera, por decirlo así: Natalia Gomendio, española, ha sido galerista durante seis años en París, y Daniel Barroso, es un pintor argentino-suizo, de aprendizaje y trayectoria europea e itinerante. Con una exposición de Barroso, “Color interior”, abrió sus puertas APPA Gallery, cuyo nombre nos remite a la “Asociación Para la Promoción Artística Diego Velázquez”, que cuenta con llevar a cabo labores particulares de mecenazgo.

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L.M.A.

“La saga Cervera – Jordà” ha sido el tema de la conferencia impartida por Julia Sáez-Angulo en la sede de Els Armats de Lleida, acto que fue presentado por Josep Àngel Comes, presidente de la citada institución, Carlos Sánchez, organizador de actividades culturales y Rafael Oncins, empresario. La pianista Teresina Jordà clausuró el acto con sus palabras e intervención musical al piano, acompañada del pianista David Jordà, que exponía en la sede una colección de fotografías sobre paisaje y naturaleza.

            La conferenciante hizo un recorrido cronológico y cultural sobre los méritos de los cuatro componentes de la saga: Pepita Cervera (1925-2010), Teresina Jordà y los hermanos Verónica y David Jordà Cervera. Todos ellos muy vinculados a Lleida, como lugar de origen y donde llevan a cabo seminarios de estudios musicales anuales durante la primera semana del mes de agosto, en colaboración con el Centro de Estudios Musicales Pepita Cervera, musicóloga que cuenta con una plaza en la citada ciudad catalana, una placa en la casa donde nació, y un espacio en la sede de Els Armats de Lleida.

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ESCULTURA Y PINTURA

El pasado 18 de abril fue la inauguración de la muestra que presenta Lorna Benavides y Charo Crespo, en el Centro Cultural de Moncloa; con tal motivo el Presidente Asociación Española de Críticos de Arte/AICA Spain, Tomás Paredes,  escribió para la presentación del catálogo editado lo siguiente:

 

LORNA BENAVIDES: LA ESCULTURA

 “Por lo que veo, leo, debato u oigo, pareciera que hoy no se puede comentar un trabajo artístico, una obra de arte, sin acudir al venero de citas de Walter Benjamin, Deleuze, Derrida, Lévinas, Foucault, Roland Barthes y compañía. Y se puede. Y la obra de Lorna es un claro ejemplo de ese poder adherirse a una estética sin complejos, con solercia.

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Satoru Yamada - AECA

Juan Pedro es un fotógrafo y aficionado de la cultura japonesa. Alguna parte de su técnica proviene del estudio de la cultura japonesa. De manera autodidacta investigó las obras del fotógrafo japonés como Daidō Morimichi, pero lo que me interesa de su arte es la influencia del cine clásico japonés, de Ozu Yasujirō y sobre todo, Mizoguchi Kenji.

       El fotógrafo español me comenta,

     “Siento “el tempo interno” al ver la película clásica japonesa. El cine japonés de aquella época me envuelve de una manera especial (…), además me siento muy identificado con los códigos éticos y morales que tratan estos directores”

     Del tempo interno, me dice que en la película del cine clásico japonés, hay un corriente de tiempo distinto al mundo real, muy subjetivo. Sobre todo la película de Mizgoguchi tiene el carácter peculiar de Emakimono, narrativa ilustrada en pergamino en forma horizontal. Los lectores leen el pergamino, desenrollando un pergamino con una mano y enrollándolo con la otra al mismo tiempo, leyendro de derecha a izquierda. Concluyentemente los lectores lo leen con su propio ritmo y con su propio sentimiento. Pueden crear el mundo propio a través de la lectura.  

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L.M.A.

 Madrid, 01.04.17 .- La nana de Shada es elEn la Galería Magnolia Fines Arts hemos tenido la ocasión de contemplar recientemente una exposición de escultura de Joaquín García Donaire. Se trataba de unas veintena de obras sobre el tema del amor, uno de los tantos aspectos vitales sobre el cual este escultor, enamorado de la vida, había dirigido su atención.
La exposición congregó el interés de críticos, coleccionistas, también de curiosos, más sobre todo de los artistas, muchos de ellos amigos.
Era interesante y daba que pensar ese reencuentro de tantos artistas la mayoría de los cuales había vivido y compartido una misma época con Donaire, toda una generación que ahora, cambiados los gustos y los intereses de nuestra sociedad, se ha quedado olvidada o más bien desconocida: una generación suspendida en el aire.
Como el mismo escultor, cuyas obras se exponían, aquellos eran unos artistas de formación rigurosa, de claros criterios y de calibradas autocríticas.
Y así es también la obra de García Donaire, una obra detrás de la cual esas cualidades no afloran pero se revelan como imprescindibles en la realización de su trabajo. En efecto en Donaire pudimos encontrar una constante y absoluta autoexigencia unida al inacabable afán de perfeccionamiento siempre acompañado con la huida tanto de la facilidad de la anécdota, como de la intromisión de cualquier concepto ajeno a la esencia del lenguaje escultórico. Pues, aunque actualmente se admite como escultura cualquier objeto que se desarrolle en tres dimensiones, lo cual da pie a toda cavilación sobre el mismo y a cuanto puede venir expresado conceptualmente, muy diferente y quizá más difícil de comprender es el propio lenguaje escultórico. En efecto, desde el valiente atrevimiento rompedor de Duchamp con su famosa fuente, que tanto ha aportado al arte del siglo XX rompiendo moldes ya obsoletos, el criterio de lo que es escultura se ha ido amplificando hasta su actual agotamiento llegándose al actual momento del todo vale. Pero igual a cuanto ha sucedido en otros momentos de la historia del arte haya llegado ya el momento de volver a lo que son las fuentes del arte y, en este caso, del criterio escultórico

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